1.- ¿Escuela de cine o por la libre?

¡Gran pregunta! Los estudios hoy en día están desapareciendo con la “universidad” de Youtube. Los conocimientos básicos de un cinefotógrafo se están olvidando al grado que los diafragmas y principios básicos de la cinefotografía, tristemente, ya no se aprenden y el monitor se convierte en la herramienta básica de los nuevos colegas; yo le digo el “ojímetro” y tiene muchas desventajas en tu velocidad, precisión y continuidad en caso de tener que repetir tomas. Los estudios son muy importantes cuando tienes los recursos para estudiar y no hay que dejarlos fuera, dentro de lo posible. Ahora, lo importante es no generar la soberbia de muchos estudiantes al salir de la universidad que creen saber todo al llegar a un set por primera vez. Lo que se aprende en un set es muy valioso y pocas escuelas lo enseñan. En resumen, las dos cosas, “escuela de cine y la libre”son válidas pero por “la libre” es muy arriesgado ya que hoy en día, tienes que estar muy preparado con tanta competencia que existe. Esto lo veo en Estados Unidos, en donde la gente está muy preparada con un conocimiento técnico y visual impresionante a comparación de México. Creo que tener estudios en cine y una maestría en otra cosa es esencial porque no todo mundo llega a estar en el medio cinematográfico, o al revés con la maestría en cine y otra licenciatura para tener un respaldo por si hace falta cambiar de carrera. La libre es muy válida, pero empezando en puestos de asistente para realmente aprender y no ser un “experto ignorante”.

2.-¿Qué película marcó tu vida?

Fue la primera película que filmé a los 6 años como actor con mi padre fotografiando, mi tío Ricardo dirigiendo y coactuando con mi hermano Martín y mi primo político Fermín Zárate. La película se llamaba ‘Los colores perdidos de la tierra’. Fue de mis primeras experiencias de levantarme antes de que saliera el sol y tener la disciplina de filmar todos los fines de semana con una cámara de 8mm. Por desgracia, la película independiente nunca se terminó. Esto me marcó, porque al opuesto de muchos colegas o mi hermano Martín, yo no seguí los pasos de mi padre de querer ser cinefotógrafo en un inicio, mis estudios arrancaron como ingeniero aeronáutico ya que quería ser piloto en la fuerza armada aérea en Estados Unidos. Viviendo en Los Angeles a los 20 años, pasé por un set enorme de Hollywood y tomé la decisión de cambiar de carrera a cine en un segundo. El destino cambió al día siguiente con la llamada de mi padre preguntándome si quería vivir otra vez en casa con él en México y estudiar cine, y más importante, que el me apoyaría económicamente una vez más. Desde los 16 años trabajaba sin parar. Terminando la preparatoria a los 17, pagabamis estudios en ingeniería en Tucson, Arizona antes de mudarme a Los Ángeles con dos amigos para salirnos de la ciudad chica. ‘Los colores perdidos de la tierra’ me marcó ya que ese “gusano” del cine ya estaba dentro de mi y salió muchos años después sin forzarlo en lo más mínimo. Si
se buscaba una película conocida a la pregunta, yo diría ‘Blade Runner’ de Ridley Scott. Con esa película arrancó mi pasión por la ciencia ficción y sigue estando dentro de mí. La cinefotografía de Jordan Cronenweth es espectacular y el uso de las luces Xenon, creando un atmósfera con humo es increíble. Esa estética cyberpunk vale la pena verla, aunque la película sea de 1982.

3.- ¿Quién es tu director de fotografía favorito?

Sonará raro pero yo soy mi cinefotógrafo favorito. Colegas que admiro por su trayectoria y fortuna son Rodrigo Prieto AMC, ASC y el Chivo Lubezki AMC, ASC. Jordan Cronenweth fue mi favorito muchos años antes de que Rodrigo y el Chivo comenzaran su carrera profesional. No me comparo con mi comentario inicial en lo más mínimo,pero siento que creer en uno mismo es muy importante, sin perder el piso.

4.- ¿Celuloide o digital?

Los dos al par, sin duda. Arranqué mi carrera realmente filmando y no capturado datos como se hace hoy en día y se dice erróneamente filmar, en mi opinión. Adoré filmar por la disciplina que se requería y la concentración en el set era única, pero el terror de los laboratorios en México me hacían sufrir mucho. La tranquilidad del digital hoy en día me da chance de dormir muy bien después de los rodajes, aunque el “hubiera” siempre existe al repasar lo que me hubiera gustado haber logrado diferente en el set ya pasando el día de rodaje. Me gustan los dos, aunque ya la diferencia es prácticamente nula con la óptica de cine y los sensores actuales, excepto por las luces altas en donde el celuloide tiene mucha ventaja. La maravilla de realmente ser un cinefotógrafo es que puedes hacer las dos cosas, por eso me gusta el celuloide y el digital al igual. El chiste es usar las herramientas que existen hoy en día y que llegarán en el futuro.

5.- ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado?

Ser humilde y veraz. Mi padre me dio una gran educación al respecto. Evita la soberbia a toda costa.

6.- ¿Qué le recomendarías a alguien que quiere ser director de fotografía?

Aprende lo más posible de otros colegas. El arrancar como director de fotografía es un grave error para mi punto de vista. Mi segundo trabajo después de ser actor y locutor de niño, fue como asistente de cámara con cinefotógrafos de la AMC, ASC, AIC y CSC al igual que muchos más incluyendo a mi querido y difunto padre y colega. Llegué a asistir por 5 años y filmé en 35mm, más de 500 proyectos, principalmente comerciales y videoclips musicales. Lo que se aprende como asistente de cámara o trabajando con el staff, es lo más valiosos que te puede pasar. Se aprende el respeto a la fuerza y corazón de la gente en el set, de la gente que carga y trabaja físicamente muchísimo. Hay colegas o directores que nunca han cargado ni una bolsa de arena o no saben montar un century c-stand, pero exigen en el set sin saber lo que implica ser parte del staff y el esfuerzo que se requiere para hacer cine. No hagan cine a ciegas, es mi recomendación y reitero con suma importancia que tiren la soberbia por el inodoro. Otro asunto muy importante, es hacer una buena planeación en la preproducción, porque hace la diferencia en un buen rodaje; nunca hay que ser flojos en la tarea de escritorio. En la parte artística, hagan su propio estilo, vayan a museos tanto de autores contemporáneos como clásicos. Consuman las artes en conjunto y respeten todos los puestos en un set. Esto es trabajo en equipo y hay que respetar eso a fondo. En la parte técnica, nunca dependan de un encargado de cámara, aprendan la cámara como si fueran dueños de ella. La tecnología avanza con pasos gigantes y puede ser un poco intimidante. Los estudios nunca terminan y por eso reitero la importancia de arrancar estudiando en sus carreras, dentro de lo posible, para tener la disciplina de aprender cine.

7.- ¿Cuál es el proyecto en el que más has aprendido y por qué?

Sin duda el documental “The Butterfly Trees” de la directora Kay Milam. Nunca había estado en un documental de vida salvaje y aprendí mucho de la mariposa monarca. El documental se grabó y capturó en 720p y 4K, en un periodo de 10 años por no tener los fondos suficientes de inversionistas independientes. Hoy en día tengo un conocimiento mucho más amplio de la monarca; inclusive ahora me siento conectado con ellas como decía la directora, que tenía una conexión con ellas. Hace unos años pensaba en Kay, la directora, y el por qué no se terminaba el documental. Pensé en hablarle cuando vi a contraluz en mi ventana, una palomilla bastante grande y que me sacan de onda desde la secundaria cuando una se me pegó a la espalda y no se me quitaba la condenada. Fui a la cocina, por un recipiente de plástico para sacar la palomilla y no matarla, pero cuando me acerqué vi que era una mariposa monarca. La piel se me erizó de la emoción y no lo podía creer. El estar en la ventana a contraluz no me dejaba ver quéera un monarca, qué locura. Al día siguiente Kay Milam me marco por teléfono y me comentó que quería terminar el documental pero que le daba miedo ir a Michoacán por la inseguridad que ve en las noticias. Le dije que las noticias exageran bastante en Estados Unidos, pero que es un tema que los mexicanos siempre tenemos en mente. Kay Milam me dijo que no se atrevería. Me pidió que yo dirigiera la última etapa y me dio una lista de shots. Le comenté de lo sucedido con la monarca el día anterior y le dio mucha alegría, pero me dijo que era obvio que yo estaría conectado con ellas después de tanto tiempo en los santuarios. En el último día de rodaje, en la primera fase del documental, fui el único al que se le paró una monarca en la cabeza cuando estábamos grabando. Hoy en día, doy gracias por haber estado en ese documental que ha ganado varios premios a mejor documental en festivales de Estados Unidos y México. También estoy muy agradecido de que un colega, que falleció el año pasado, me recomendara para esta producción. Descansa en paz querido colega Vance Holmes. Aprendí los valores de la vida, tanto de las monarcas, como la magia que las rodea. Es algo que la gente no contempla y valora, tristemente. También aprendí a estar en buena condición física para poder lograr este tipo de proyectos que requieren caminar por 3 horas y media con equipo cuesta arriba para llegar al santuario de la mariposa en Michoacán.

8.- Recomiéndanos un libro de cine…

Masters of Light. En este libro varios cinefotógrafos hablan de su sicología de cómo iluminar y cómo se preparan para los rodajes y de cómo ven la luz natural. Me quedó muy grabado lo redactado por Néstor Almendros, al grado que utilizo su forma de pensar al llegar a un posible set en los scouts. Este libro es una gran herramienta para los que son profesionales y los que buscan llegar a serlo.

9.- Y una película…

‘El arca rusa’ (2002), del director Alexander Sokurov y Tilman Büttner fotografiando y operando el Steadicam. El tema es bastante lento y confuso pero es un plano secuencia de 96 minutos magistral, sin cortes, capturado a un disco duro con la Varicam 720p de Panasonic. Lo maravillosos de esta película es que se capturó con ciento de actores y orquestas en vivo y cuatro períodos de vestuario en interiores y exteriores en el museo Hermitage en Rusia. Es recomendable ver el video de detrás de cámara o “making of” para entender lo que está sucediendo ya que puede ser confuso de otra forma. Mucha gente no puede creer que se logró en una sola toma.

10.- ¿Qué significa la dirección de fotografíapara ti?

El ser los ojos de un proyecto, ser el guía y conductor del lenguaje cinematográfico en pareja del director. El tener conocimiento de todos los departamentos y ser el mejor aliado de la producción para resolver cualquier tema. Es como ser una navaja suiza en la naturaleza. Hoy en día también se tiene que tener un conocimiento impresionante del avance tecnológico del cine digital, no hay de otra. Me gusta más el término de cinefotógrafo, en el set hay un solo director y se tiene que respetar eso.

11. Recomiéndanos un APP

Shot Designer. Gran aplicación para crear esquemas de trazo actoral y agregar equipo cinematográfico. También se pueden animar los movimientos de los actores. Otra maravilla es que te hace un desglose de las tomas con el lente y plano a utilizarse.